Otobong Nkanga: "Las influencias culturales trascienden las fronteras"

VALÈNCIA. València se convertirá en las próximas semanas en uno de los extremos de un puente cerámico de ámbito internacional. La artista nigeriana Otobong Nkanga ultima los trabajos de cara a su próxima exposición en el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM), que abrirá sus puertas a mediados de julio, una muestra que bajo el lema Anhelo de luz del sur presentará una serie de dibujos, instalaciones, fotografías, esculturas y performances a través de las que la artista examina la relación social y topográfica con nuestro entorno cotidiano. La nigeriana, que actualmente reside en Amberes, tomará el relevo a la exposición de Asger Jorn en la Galería 1 del museo, un espacio que transformará a partir de sus trabajos con materiales y elementos cotidianos, una ‘conquista’ del museo valenciano en la que no caminará sola.

El proyecto desvelará su forma definitiva en algunas semanas, pero antes de la inauguración la creadora ha estado trabajando durante meses de manera silenciosa de la mano de profesionales locales de la cerámica. De esta forma, Otobong Nkanga ha visitado València recientemente para colaborar con el taller de cerámica de Manises Domanises, con los que trabaja en la elaboración de una pieza de 14 metros de longitud, un site specific para una exposición que busca conectar tradiciones. Sobre esta experiencia 'inmersiva' y su universo creativo, hablamos con Otobong Nkanga. 

-¿Por qué era tan importante crear esa conexión con la creación valenciana de cara a tu próxima exposición en el IVAM?
-Al crear conexiones con lugares y personas uno llega a comprender mejor las tendencias y los cambios ecológicos, económicos, políticos y sociales de un lugar. Durante mi primera visita al IVAM, a València, noté un estilo y diseño muy particular en la cerámica de la ciudad. Me atrajo la historia y la comprensión de la artesanía detrás de estos objetos. Había trabajado con cerámica hace mucho tiempo, y estar en València me despertó un fuerte deseo de trabajar y aprender de un ceramista local. Para mí es importante entender un lugar y su historia a través del proceso de creación con otros.

Estos encuentros que son muy específicos y enriquecedores. Quiero crear un trabajo que esté conectado e integrado dentro de la artesanía de un lugar. Trabajar con personas, observar los paisajes y materiales que ofrecen los espacios geográficos influencia y afecta a tu forma de pensar, hacer y (des)aprender. El encuentro con personas, lugares, materiales o elementos es una parte crucial y esencial del proceso de elaboración y creación de una obra o una exposición.

-¿Has encontrado vínculos o, quizás, diferencias entre el trabajo cerámico que ya conocías y tu experiencia en Manises?
-Trabajar con Juan Carlos Iñesta y Michal Grzemski de Domanises me ha abierto los ojos a varios aspectos, incluidas las complejidades de usar diferentes tipos de arcillas y lozas, así como el arte de trabajar con barbotinas, engobes y esmaltes. Me ha permitido experimentar con diferentes técnicas de aplicación, explorando el juego de colores y texturas en la superficie de mis piezas cerámicas. A través de este proceso, he adquirido una gran cantidad de conocimientos, pasando de aprender a tornear con la mano a obtener una idea de los aspectos científicos que rodean la cerámica vidriada.

-Me pregunto cómo ha influido tu experiencia de vida entre diferentes continentes en tu visión del discurso local/global.
-Cuando estudiaba en la Universidad Obafemi Awolowo en Ile-Ife, Nigeria, que se considera la cuna de la cultura yoruba, el profesor Agbo Afolarin solía organizar excursiones para visitar la arquitectura y las estructuras afro/yoruba brasileñas. Una década más tarde, tuve la oportunidad de viajar a Ouro Preto, Brasil, y para mi asombro, descubrí sorprendentes similitudes entre las estructuras, arquitectura y ornamentos que había visto anteriormente en Ile Ife. Fue una comprensión profunda de que las influencias culturales trascienden las fronteras, y las ideas y las innovaciones tienen el poder de trascender las fronteras geográficas. Fue una experiencia que me dejó una gran impresión.

Estar entre diferentes continentes me ha brindado una perspectiva sobre cómo las políticas formuladas a escala global pueden tener efectos tangibles en las comunidades y los ecosistemas a nivel local. Esta comprensión destaca la interconexión de nuestro mundo y me ha permitido ser testigo de la intrincada red de causa y efecto, donde las decisiones tomadas en un rincón del mundo repercuten en tierras lejanas, lo que influye en la vida de las personas y la salud del medio ambiente.

-En tu trabajo el material, el elemento físico, es muy importante, ¿cómo equilibras la relación entre los objetos cotidianos y el lado poético de la obra de arte?
-Cuando me comprometo con cualquier material en mi proceso artístico, ya sea cerámica, madera, vidrio, sonido o cualquier otro medio, me embarco en un viaje para comprender las intrincadas historias y el significado que se le atribuye. Al sumergirme en el conocimiento que rodea al material, puedo profundizar mi comprensión sobre cómo trabajar con él.

Esta exploración implica profundizar en sus orígenes, significado cultural y las historias entretejidas en su existencia. Al descubrir estas capas, obtengo información sobre la vida social del material, cómo se ha utilizado y los roles que ha desempeñado dentro de las comunidades y sociedades a lo largo de la historia.

Me involucro en un proceso continuo de hacer, desaprender y experimentar con materiales e ideas. Es empujando los límites de mi propia comprensión que espero encontrar un delicado equilibrio donde convergen varios aspectos, donde se cruzan las dimensiones personal, emocional, conceptual, técnica, estética, política y poética.

-Durante la presentación de la programación del IVAM de este año, Nuria Enguita dijo que tu obra está realmente “comprometida con la sostenibilidad”, ¿cuál crees que es el papel (o debería ser) del museo y del artista en relación con esto?
-Usamos a menudo términos como "sostenibilidad", pero es fundamental reflexionar sobre su verdadero significado. El simple hecho de consumir menos energía o adoptar prácticas respetuosas con el medio ambiente puede no ser suficiente para captar plenamente la esencia de la sostenibilidad. Esta es una pregunta que me planteo con frecuencia. ¿Cómo podemos verdaderamente convertirnos en aliados de otros seres y formas de vida? Para establecer una relación significativa con nuestro entorno y entornos, debemos comenzar por relacionarnos con ellos y comprometernos activamente con ellos.

Crear un mundo habitable para todos los seres requiere un profundo compromiso y consideración. Los museos tienen un papel importante que desempeñar en este esfuerzo al aumentar la conciencia pública y fomentar el diálogo a través de exposiciones que invitan a la reflexión, programas educativos e iniciativas de participación pública. Al integrar las intersecciones de arte, ecología y sostenibilidad en sus ofertas, los museos pueden inspirar a los visitantes a reflexionar sobre su propia relación con el medio ambiente y desarrollar una comprensión más profunda de los problemas ambientales urgentes que enfrentamos.

Al mismo tiempo, los artistas poseen una habilidad única para transmitir mensajes poderosos, desafiar las normas sociales y defender a otras entidades y seres. A través de la exploración de diversos materiales, técnicas y temas, los artistas pueden destacar las preocupaciones ambientales y ofrecer perspectivas alternativas y posibles soluciones. Al unir fuerzas, los museos y los artistas pueden contribuir a un esfuerzo colectivo para crear un mundo más equitativo. Su influencia y colaboración combinadas pueden fomentar una conexión más profunda con nuestro entorno, promover relaciones significativas con otros seres e inspirar a las personas, las comunidades y los legisladores a priorizar el bienestar de todas las entidades vivientes.