Lo que debes saber de Abierto València 2019

VALÈNCIA. La fiesta de las galerías valencianas vuelve a darse cita. Este año, desde este jueves 19 de septiembre hasta el domingo 22. Abierto València se ha configurado, en sus seis ediciones anteriores, como una cita ineludible de la agenda cultural de la ciudad. LaVAC (la Associació de Galeries d’Art Contemporani de la Comunitat Valenciana) organiza estos días, en los que las salas de exposición privadas se abren al público general a través de rutas guiadas, puertas abiertas para que cada uno configure su propio recorrido, y un buen puñado de inauguraciones. Todo esto, con los premios de adquisición como colofón, que este año se han duplicado.

El eje central del evento es el de mostrar el potencial de las colecciones privadas de la ciudad. Rosa Santos afirmaba, en una reciente entrevista a Culturplaza, que "queremos poder traer a València a coleccionistas nacionales, críticos de arte, directores de museo, etc. Que vean lo que hacemos desde las galerías o museos, a través de conferencias, mesas redondas o coloquios". De paso, le puso dos apellidos a la edición de este año: "reafirmación y crecimiento".

Luis Adelantado vuelve a Mulholland Drive

Luis Adelantado presenta la lynchiana muestra Mulholland Drive, un proyecto del artista Álex Marco en el que, de forma inédita, intercala el lenguaje audiovisual con el medio pictórico. Esta exposición, que recorre las cuatro plantas principales de la galería, configura un lugar por el que debemos progresar a ciegas, táctilmente, siguiendo la lógica espacial de las marcas dispersadas por la superficie. 

"Como si de una arqueología se tratase, el espectador deberá deslizarse entre los fósiles de gestos que componen la muestra, manchas en el asfalto de una carretera agrietada, alquitrán y rastros de skate producidos por el contacto sobre la superficie del lienzo, actúan a modo de sombras encarnadas, visibilizando la escatología que se esconde en todo gesto, como una huella donde el tiempo queda impreso a causa de la adherencia que provoca la imagen", cuenta la galería.

Esta lectura táctil de las superficies, convierte suelo, lienzo y pantalla en una exploración crítica en la que no hay referencias de profundidad. Ahora bien, las imágenes forman, al mismo nivel que el lenguaje, inscripciones en las que la suciedad acumulada, los desperfectos y las manchas de pintura, sirven para levantar acta de los complejos procesos.

Tactel revisa los últimos trabajos de Carlos Sáez, una reflexión profundamente existencialista

Concrete effect, que es la exposición elegida por Espai Tactel, pone en escena algunas de estas cuestiones sobre las que Carlos Sáez viene trabajando en los últimos años a partir de instalaciones, esculturas, piezas de video y acciones en vivo con las que al igual que los personajes de eXistenZ de Cronenberg no sabemos si nos toca jugar o estamos siendo jugados por estos objetos que se abren camino entre la bruma de humo seco y la amplificación sonora binaural. 

A propósito de eXistenZ y su relación con lo que el propio Cronenberg denomina como “propaganda existencialista”, Mark Fisher distingue en un artículo sobre la película, entre lo que Sartre llamaba el “ser-para-sí” y el “ser-en-si”: el mundo inerte de los objetos, despojados de conciencia”. En Concrete effect, los objetos se exponen para ser jugados. Formamos parte de un juego en el que los elementos han sido desposeídos de información y aparecen como ruinas de nuestro tiempo, concreciones fósiles que a diferencia de los testimonios arqueológicos, no aportan ni construyen relato, sino que se ofrecen en su más pura hermeneútica, la del juego, como la Lanza para Gadamer (2019) que Carlos Sáez ha presentado en Les Escenes. 25 anys després en La Capella de Barcelona.

Espaivisor fija su mirada en Larry Clark y en la amistad entre Carmen Grey y LUCE

En esta apertura de temporada 2019-2020 espaivisor inaugura con la exposición del artista y cineasta americano Larry Clark (Tulsa, 1943). En la cual mostraremos la película Tulsa (1968), fotografías de las series Tulsa y Teenage Lust, y dos collages de 1989 y 2013 que muestran su lado más terapéutico y liberador.

A su vez, se realizará una instalación con fotos a color vintage a 100€ cada una. Éstas son parte de sus archivos personales, fotos tomadas en el periodo que transcurrió el rodaje de las películas Kids (1995) y Wassup Rockers (2005). Durante 10 años, su cámara fue testigo del encuentro con sus amigos y los jóvenes protagonistas de las películas. 

Dentro del contexto de la creación fotográfica, desde 1961 Larry Clark ha capturado las realidades de él y de sus amigos transgrediendo los límites de lo íntimo de sus vidas. Una realidad de desesperanza, plasmada en imágenes explícitas sobre el consumo de drogas y la utilización de armas. Tulsa fue su primer trabajo, plasmado en un libro publicado en 1971. Se trata de una serie autobiográfica sobre un periodo de adolescencia que transcurre entre 1963 y 1971, donde retrata su vida cotidiana tal y como ocurría, su realidad en un mundo de drogas. Tulsa impactó e influyó en sus contemporáneos, llegando a ser la referencia más importante y con más peso de su obra.

Larry Clark siempre ha querido contar historias, siempre quiso hacer películas, pero solo tenía una cámara de fotos y una formación académica en retrato fotográfico inducida por su madre, la cual era retratista de bebés.

En los escaparates de espaivisor, se expondrá -por otra parte- el trabajo que han realizado juntos Carmen Gray y LUCE. La propuesta consiste en la construcción de un mapa, a través de textos, objetos e imágenes en el cual las artistas nos muestran un recorrido de su amistad. Desde la adolescencia y su ritmo frenético hacia una consagración de sus actividades artísticas generadas por el tiempo y su dedicación. Por primera vez estos dos amigos artistas se juntan con el fin de repasar el tiempo vivido juntos.

Rosa Santos: el pan como elemento empoderador

Hoy en día podemos comprar una barra de pan prefabricada por menos de 50 cts. de euro, pero también por mucho más del doble si es artesanal. Sea de una manera o de otra, no tenemos ni idea de quién ha cortado el trigo, lo ha molido, lo ha transportado, lo ha elaborado y lo ha amasado.  En el libro La conquista del pan, publicado en 1892, Kropotkin planteaba la idea de conquistar el pan como una manera de conquistarnos a nosotros mismos. Antaño se conocía a la perfección todo el proceso que convertía el trigo en pan y, a modo de transubstanciación, el pan en cuerpo; hoy el capitalismo nos ha escamoteado esta experiencia como tantas otras.

La exposición Teorética del pan de Xavier Arenós indaga en el “autoimpuesto” sometimiento al trabajo, en el cruce entre la religión y la política, en el vínculo entre lo ideal y lo real, o en la relación entre el modelo y la copia.

Benlliure recupera a Genovés

La Galería Benlliure de València celebra su 35 aniversario con la inauguración de una muestra que recoge la "innovación inédita" del artista Juan Genovés y exhibe una serie de obras recientes realizadas con una técnica gráfica "innovadora en el mercado".

Juan Genovés, Vivir y Convivir abrirá sus puertas el próximo 20 septiembre a las 19 horas y podrá visitarse hasta el 31 octubre. Con ella, la galería valenciana celebra que "han pasado ya 35 años desde que la pequeña idea de vender belleza se convirtiese en una gran realidad", ha explicado en un comunicado. Con motivo de esta efeméride, Galería Benlliure suma fuerzas con "uno de los artistas valencianos más reconocidos internacionalmente, Juan Genovés".

Por su parte, en Aural, José Maldonado presenta una muestra entonrno a (La) Kaaba, en árabe al-ka’ba, el dado o el cubo, es una construcción en forma de prisma rectangular enclavada en el centro de la mezquita Masjid al-Haram en La Meca, Arabia Saudita. Es un lugar sagrado de peregrinación religiosa. Se entiende, en términos de religiosidad islámica, que es “la casa de Dios”, sin embargo, tanto la Kaaba como la piedra negra, un fragmento de roca meteórica situada en la esquina sur exterior del prisma, no son objetos de adoración del islam. Lo adorado es una cosa otra... En cualquier caso, la Kaaba es un objeto que sustituye a otro, conteniéndolo en sí, y protegiéndolo de toda visión y de toda luz.

The Blink Project se estrena con una exposición colectiva

The Blink Proyect se estrena en Abierto València con una exposición colectiva donde los 7 artistas que forman parte de la galería: Joaquín Artime, Sebastián Chisarri, Cristina Ghetti, Javier Moreno, Carmen Ortiz, Deva Sand y Tactelgraphics, muestran una pequeña parte de su trabajo para inaugurar este nuevo espacio. En esta primera muestra no existe un hilo conductor entre las obras, cada una de ellas debe contemplarse de forma individual, pero teniendo presente que todos las artistas de la exposición son parte vertebradora de esta nueva galería: The Blink Project.

Por su parte, la galería de Alba Cabrera presentará el trabajo de Pierre Louis Geldenhuys. Las telas y la luz juegan un papel determinante en el desarrollo del trabajo del sudafricano. Sombras y volúmenes emergen con la calidez del color de las sedas que cuidadosamente selecciona y después interviene y transforma a través de la técnica de la teselación. Inspirándose en el origami japonés, convierte las formas geométricas que surgen del tejido en delicadas figuras poligonales acentuadas por la luz que incide sobre ellas. Geldenhuys juegacon la geometría y con su experiencia como diseñador de moda.

La interacción entre tiempo y espacio ha marcado el eje de actuación de DimaslA en Sin fuego, un singular proyecto expositivo que se emplaza en la Galería La Mercería. Si toda novela es esencialmente autobiográfica, esta exposición nada novelada se ajusta a la estructura clásica de relato: orden, desorden y vuelta al orden. Acción que tuvo lugar trasformando el hogar familiar de DimaslA en un improvisado estudio de trabajo donde convivieron durante unas semanas actividades generalmente separadas espacialmente. Sobre las obras, se tratan de una profunda interiorización y abstracción. 

Galería Punto da lugar a delirios que surgen del cómic

El salto del cómic a la imagen-movimiento liberó los delirios físicamente absurdos de los dibujantes de cómic. El imaginario visual de estos procesos ha contaminado en cierto modo la producción de algunos artistas de esta exposición. En la pintura de Juan de Dios Morenilla una mano se vuelve protagonista. Una mano que se retuerce como una forma plástica que recuerda al óleo que sale del tubo. Estas formas “plasticosas” sin forma definida flotan sobre un mundo pintado, con una textura de fondo estático de película de dibujos animados de serie B. En la muestra que han preparado para Abierto València también se podrá ver el trabajo de Victoria Iranzo y Jan Monclús.

Por su parte, Plastic Murs cuelga la obra de Kaláb. formado en la Academia de Bellas Artes de Praga, fue fundador de la DSK Crew en los años noventa, cuando el grafiti comenzó a irrumpir en el callejero y los trenes de la recién creada República Checa, desarrollando una trayectoria clásica de writer bajo la firma Cakes para después, y durante una estancia en Nueva York, incorporar lo tridimensional en su pintura urbana al esculpir letras abstractas y enormes que instalaba en los muros —en esa etapa firmará como Point. Desde 2007 combina la realización de intervenciones y murales con la pintura sobre lienzo, insistiendo en unas formas geometrizantes influenciadas por su compatriota František Kupka, pionero de la abstracción, que van de la estratificación de planos solapados y líneas rectas a las curvas más sutiles y dinámicas, órficas, con las que subraya un eco amorfo y brillante como de gotas de un líquido irisado.

Vicente Marzal reflexiona, en Galería Cuatro, sobre la voz y el silencio. En una obra casi sinestésica en el que los colores son un relato vital de las personas que sufren discapacidad auditiva. "Para una persona que nace sorda, no hay escala de grises posibles: hay sonido o no lo hay, las cosas son blancas o negras, tan simple, y tan complejo”, reza el abstract de su exposición. Los contrastes, que no se basan únicamente en el blanco y negro componen una obra errática y explosiva.

Alberto Gil Cásedas se estrena en Set Espai d'Art

Set Espai d'Art presenta la primera muestra individual de Alberto Gil Cásedas. 367.824 se presenta como una exposición que reúne un conjunto de piezas, la mayoria de ellas con formato escultórico, en referencia a productos, acciones y metodologías llevadas a cabo como dependiente. Las piezas son fruto de la mirada en paralelo de distintos productos encontrados en el stock y utilizando en parte de ellos materiales de desechos o descartados de la propia tienda.

El trabajo de Alberto Gil Cásedas se centra en la contabilización/catalogación de acciones de lo cotidiano que evidencian la pérdida de tiempo, tiempos sin uso, absurdos o en blanco; ligado a las practicas situacionistas en referencia a los no-lugares, tanto de forma física como mental.

Shiras Galería inaugurará dos nuevas exposiciones de gran calibre, reafirmando así la línea de la galería que combina proyectos de artistas consagrados junto con artistas emergentes con proyección. En este caso se ha seleccionado el proyecto de dos artistas austriacos consagrados, Herbert Egger y Christine Bauer; junto a los que estará la artista valenciana Carolina Valls. Los signos abstractos de la pintura de Herbert Egger se funden con la pintura matérica y perceptible de Christine Bauer. El Espacio Refugio acogerá una gran instalación basada en el proyecto que presentaron en la Bienal de Venecia del 2017.

En el Show Room, se emplazará una pequeña muestra del proyecto de la artista valenciana Carolina Valls, recientemente mostrado en Art París con su serie Flexible. La artista desarrolla su trabajo sobre la idea de mutabilidad, demostrando que los conceptos y los factores externos tienen preferencia sobre la estética de las figuras.

Galería Vangar expone las Cartografías Humanas de Lluc Margau

El trabajo de Lluc Margau, que protagoniza la muestra en Galería Vangar, es consecuencia de un impulso natural que deriva en el ejercicio creativo. Dicho proceso se basa en la percepción del entorno vivido mediante el cual reescribe un “mapa visual”. Al mismo tiempo, dicho análisis origina dos consecuencias fundamentales: la primera, una observación reflexiva como contrapunto a su propio pensamiento y la segunda, da comienzo al dialogo que se genera entre el creador y la obra. 

Finalmente, Galería Thema expondrá los trabajos de Uiso Alemany, en una muestra bajo el  nombre de El rostro. "Lo que conforma tu rostro es loque, al fin y al cabo, moldurará tu cuerpo", dice el propio artista, que despliega todo el potencial de su reduccionismo formal y de su ascetismo compositivo. El tratamiento del retrato como máscara y las conformaciones del rostro como metamorfosis de la personalidad son los ejes de esta serie de retratos abstractos.